FIRST SCREEN // Premières de artistas en La Pedrera
Una de las intenciones que viene marcando la programación de LOOP/Screen from Barcelona es la de intentar que el festival sirva de marco para presentar obras en primicia. Tanto en la feria como en las propuestas expositivas o screenings, se ha procurado siempre priorizar estrenos o trabajos muy recientes. En 2011, esta tendencia se consolida en un programa, First Screen / Premières de artistas en La Pedrera fruto de la colaboración de LOOP/ Screen from Barcelona y la Fundación CatalunyaCaixa, que surge de la voluntad de explorar la diversidad de estrategias creativas que se dan cita en el ámbito de las prácticas artísticas audiovisuales contemporáneas.
Con una frecuencia mensual, se presentan obras que se estrenan a nivel nacional o Europeo, y que se adecuan o están destinadas a unas condiciones de proyección cinematográficas. El término “première”, fuertemente asociado con el universo del cine, hace hincapié en el “retorno al cine” que solicitan muchos artistas audiovisuales a la hora de presentar sus obras, con la intención de reunir las condiciones óptimas para la apreciación de las mismas. Este hecho conecta con el criterio que define el programa y que consiste en señalar los intercambios y contaminaciones que se dan entre territorios colindantes del espacio audiovisual. Poniendo el dedo sobre las zonas de contacto o el contagio entre prácticas artísticas audiovisuales y el cine (incluyendo sus diversos géneros), el documental, los medios de comunicación, el video-juego o el vídeo clip, por ejemplo, se evita una aproximación del arte de la imagen en movimiento segregada del resto de géneros audiovisuales.
Al mostrar las hibridaciones que constantemente tienen lugar en este ámbito, el objetivo no es tanto asignar o acotar el campo propio del arte audiovisual, sino liberar la capacidad de apreciarlo de las etiquetas de género o categoría.
Seleccionando obras que emplean distintas estrategias creativas y referencias audiovisuales, la intención del programa es tomar estas piezas como expresiones de una voluntad artística de expandir el campo y las posibilidades de la cultura audiovisual contemporánea.
Cacotopía (2011)
22’. 2011
Cacotopía es la primera pieza que realizan de forma conjunta Daniel G. Andújar+Avelino Sala , se inscribe en la línea de trabajo que ambos llevan a cabo en torno a la crítica y reflexión sobre las sociedades y sistemas socio-políticos actuales. La metodología forma parte de un modo de hacer que en cierta manera caracteriza a los autores, quienes en múltiples ocasiones han llevado a cabo una investigación iconográfica que les exime de la obligación de crear imágenes. Es decir, rastrean e investigan la llamada iconosfera con el fin de rescatar imágenes que forman parte de nuestro imaginario colectivo. Inscritos en lo que Nicolas Bourriaud acuñó como estrategias de postpodrucción audiovisual, son capaces de aislar la imagen, descontextualizarla y otorgarle un nuevo lugar dentro de la narración que ellos crean con el fin de crear nuevos significados. Es en este sentido que podemos hablar de un trabajo de naturaleza duchampiana que alberga la idea de readymade audiovisual.
En esta ocasión abordan el tema de la cacotopía, (para el que conviene recordar la propia etimología de la palabra: “caco”, lo peor, y “topos”, lugar). El vocablo lo acuñó Jeremy Bentham en 1818 pero fue su discípulo John Stuart Milll quién dio lugar a su sinónimo distopía. La distopía surge por contraposición a la utopía y viene a ser una especie de utopía perversa en la que la sociedad y la evolución transcurren en términos opuestos a los de una sociedad ideal. La distopía alude a una sociedad ficticia ubicada en un futuro cercano donde las consecuencias de la manipulación y el totalitarismo despótico llevado a cabo por el estado dan lugar a un caos incontrolado.
La pieza se divide en 5 capítulos que van planteando diversos modos de pensar la contradicción inherente al vocablo. Los cuatro primeros confeccionados a partir de material proveniente de algunos de los clásicos cinematográficos que abordan la cuestión y el quinto construido a partir de imágenes reales sobre las últimas manifestaciones y reivindicaciones sociales originadas en Atenas, Londres, Roma o Barcelona.
Siguiendo el propio recorrido del concepto nos adentramos en la doble lectura que presenta la pieza. La narración nos permite situarnos en un espacio atemporal que nos es fácilmente reconocible. Presente, pasado y futuro se erigen como estigma de lo contemporáneo a través de una indagación radical en lo etimólogico y sociológico. Planteamientos que reabren debates inaugurados en el s. XVI con Tomás Moro, pasando por Hannah Arendt y sus tesis visionarias de la sociedad o algunas de las últimas teorías de Slavoj Zizek sobre la muerte y el capitalismo.
Imma Prieto. (comisaria del proyecto)
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